5 grandes êxitos de 2011...

Neste último dia de 2011, nada melhor (nem mais clichê) do que fazer uma retrospectiva cinematográfica do ano que passou. Sem enrolar muito, aí vai uma lista sintética com cinco filmes que marcaram 2011.

Cisne Negro 

Oficialmente lançado em 2010, só chegou aos cinemas brasileiros em 2011, por isso entra com louvor na minha listinha. Cisne Negro rendeu à Natalie Portman o Oscar de melhor atriz e se tornou um dos maiores fenômenos do cinema recente. Dirigido por Darren Aronofsky , o suspense ganhou uma legião de fãs, mas apesar de toda a torcida, acabou sem o Oscar de melhor filme. 

Na trama, Portman é Nina Sayers, uma bailarina doce e dedicada, mas insegura. Vivendo com a mãe, um ex-bailarina exigente e controladora, ela muitas vezes parece uma criança sem livre arbítrio ou mesmo vontade própria. Até mesmo seu grande sonho de ser a primeira bailarina da companhia por vezes nem parece mesmo seu. Quando é escolhida para o papel principal de uma nova montagem de O Lago dos Cisnes, Nina se mostra perfeita para interpretar o meigo cisne branco, mas tem dificuldade em incorporar o malicioso cisne negro. Seu esforço para encontrar o personagem dentro de si acaba por desencadear uma transformação muito mais profunda. 

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte II

O tão esperado fim da saga Harry Potter chegou em 2011. Durante dez anos, vimos os atores crescerem e se superarem, vimos a trama evoluir até atingir seu ápice final. E que final!  Dirigido com equilíbrio por David Yates, o filme traz efeitos especiais incríveis, mas utilizados na medida certa, deixando o desenvolvimento da história em destaque.

Para encerrar a luta contra Lord Voldemort (Ralph Fiennes), Harry (Daniel Radcliffe) precisa terminar a tarefa de destruir as horcruxes. Quando a última horcrux ao alcance é localizada em Hogwarts, uma batalha decisiva se arma. 

Vale a pena aproveitar o tempo extra das férias e o lançamento do DVD para fazer uma maratona de Relíquias da Morte partes 1 e 2. Ou uma maratona com os oito filmes da série, no caso dos pottermaniácos. 

Meia noite em Paris

Woody Allen conta uma história leve e divertida, com todo o charme da Paris atual e da Paris de 1920. Owen Wilson é Gil, um roteirista bem sucedido de Hollywood que aspira uma carreira como romancista.  Controlado pela noiva Inez (Rachel McAdams), que muitas vezes o subestima e o diminui, Gil passa a dar longas caminhadas noturnas por Paris, cidade que adora e idealiza. É durante essas caminhadas que um encontro inusitado acontece, levando-o a questionar tanto a sua obra como escritor quanto seu relacionamento.

A avalanche de diálogos que caracteriza a obra de Woody Allen está presente em Meia noite em Paris, o que às vezes pode ser um pouco maçante, mas as situações engraçadas os superam em número e de brinde ainda trazem algo sobre o que pensar. A fotografia é um charme e Owen Wilson, por mais incrível que pareça, agrada com sua interpretação/imitação do personagem neurótico típico de Woody Allen. 

A árvore da vida

Grandioso e deslumbrante, A Árvore da Vida convida à contemplar, sentir, refletir. Vencedor da Palma de Ouro em Cannes, o filme traz Brad Pitt no papel de um pai exigente e controlador, que às vezes exagera nas punições, tentando ensinar os três filhos a serem fortes para enfrentar o mundo. As contradições da figura paterna são percebidas pelo olhar do filho mais velho, que detecta incoerências entre o comportamento que ele exige dos filhos e as atitudes que demonstra.

As imagens exploradas pelo diretor Terrence Malick são belas e impactantes, acompanhadas por uma trilha sonora poderosa, movem emoções e pensamentos. E o mais interessante: cada um extrai do filme uma lição individual.

A pele que habito

Almodóvar surpreendeu a todos com esse suspense intenso e marcante. Diferente de tudo o que já fez antes, A pele que habito marca uma nova etapa na obra do cineasta, que deixou um pouco de lado as cores extravagantes e a tragicomédia para abraçar um tom mais sóbrio e sombrio, mas sem abandonar o gosto por tramas mirabolantes com viradas inesperadas.

 A performance de Antonio Banderas como o cirurgião plástico Robert Ladgard é certamente uma das melhores de sua carreira, e a bela Elena Anaya interpreta brilhantemente Vera, uma paciente misteriosa que o médico mantém aprisionada em sua mansão/clínica. A ligação entre Robert e Vera vai sendo revelada ao público aos poucos, com flashbacks que a princípio parecem desconexos, mas que ao final formam uma imagem única e perturbadora.

Primeiro trailer de O Hobbit é divulgado pela Warner.

Ontem foi um dia de emoção para os fãs da obra de Tolkien. Foi lançado na internet o primeiro trailer da mais recente adaptação cinematográfica dirigida por Peter Jackson, O Hobbit: uma Jornada Inesperada. O filme que contará a primeira parte da história de como Bilbo Bolseiro encontrou o Um Anel estréia só em dezembro de 2012, mas pelo trailer já se pode ver que a atmosfera da Terra Média que fascinou o público em O Senhor dos Anéis está toda lá - e ainda melhor do que antes.

E Brasília ganha oito novas salas.

O Espaço Itaú de Cinema será inaugurado amanhã, dia 09, ocupando o lugar do antigo Embracine. E para a felicidade dos cinéfilos brasilienses, órfãos do Cine Academia e do próprio Embracine, o novo complexo segue bem de perto o estilo do antigo: filmes de arte, independentes e blockbusters convivendo na programação.

As oito novas salas - para a minha felicidade, com cadeiras numeradas - abrem suas portas trazendo a Brasília três filmes inéditos, entre outros: Um Conto Chinês, de Sebastián Borensztein; O Garoto da Bicicleta, de Jean-Pierre e Luc Dardenne; e Minhas Tardes com Margueritte,de Jean Becker.

A proposta do novo cinema animou muita gente. Nas palavras de Fernando Chacon, diretor executivo de marketing do Itaú Unibanco, “O Itaú tem comum dos seus pilares a preservação da cultura. Importante frisar que aprogramação dos Espaços Itaú de Cinema espalhados pelo Brasil tem como objetivo formar um público cada vez mais crítico e interessado em cultura”. (Fonte) Bonito, hein? Espero de todo o coração que continue sempre assim.

A invasão de Amanhecer, ou o filme que nos estão enfiando goela abaixo.

Amanhecer – parte 1, final da “saga” Crepúsculo, que para imitar Harry Potter e ganhar mais dinheiro foi dividido em duas partes, fez sua estréia mundial sexta, dia 18. A qualidade duvidosa do roteiro, produção e realização de todos os filmes da série já foi amplamente discutida entre a crítica cinematográfica nos anos anteriores. E sim, eu infelizmente assisti a dois deles, até para saber do que falo: é ruim mesmo. Este ponto já foi estabelecido e já está mais do que passado. A questão que ganhou destaque esse ano, e que está fomentando protestos indignados, é a ocupação maciça das salas de cinema brasileiras com cópias do filme. São ao todo 1100 salas em um universo total de 2225 salas. Simplesmente METADE das salas do país estão exibindo Amanhecer. (Não é metade matemática, mas é metade, vai.)

Já vi uma crítica a isso exposta em um site especializado (http://www.clicaemcinema.com.br/) e já recebi um e-mail tipo corrente tão indignado quanto. E isso que nem procurei por mais, porque com certeza há por aí. Bem, não é de hoje que os blockbusters americanos invadem os cinemas brasileiros mensalmente como uma enxurrada, e também não é de hoje que muita gente reclama disso. Um único filme ocupando a metade das salas de um país de 8 514 876,599 km², com uma população de 194.946.470 de pessoas, porém, impulsiona ainda mais toda essa discussão.

Até Bella e Edward ficaram horrorizados com a baixa qualidade de Crepúsculo.

A grande reclamação dos realizadores e cinéfilos é que um filme só ocupando tantas salas tira o já reduzido espaço das produções menores. Isso é verdade. A lei de mercado favorece o que dá lucro, e isso têm sido durante décadas os blockbusters (salvo algumas exceções - alô, Padilha! Alô, Globo Filmes!). A escassez de filmes brasileiros em cartaz, a aparente falta de interesse do público pela produção nacional e as dificuldades que os nossos realizadores enfrentam, contudo, são questões impossíveis de serem explicadas ou resolvidas por uma só resposta.

Cinema é negócio.

Para começar, cinema nos Estados Unidos é sinônimo de negócios, e os americanos já se provaram excelentes comerciantes (discussões de capitalismo selvagem de lado. Os grandes estúdios de lá são bilionários, ponto). Só ganha a chance de sair do papel com um mega orçamento e ser exportando para diversos países o roteiro que tem potencial de venda. São esses roteiros que chegam até nós. Lá, as produções independentes e baratas são quase tão raras quanto aqui.

E o Brasil vai pelo mesmo caminho. A única grande produtora, a única capaz de colocar seus filmes em um número expressivo de salas é a Globo Filmes. Ela produz filmes bons, com certeza, mas também produz filmes medianos e ruins. Só que é um negócio, visa o lucro. São os blockbusters brasileiros. José Padilha conseguiu driblar esse monopólio um pouco, jogando a Globo Filmes para a co-produção e fazendo Tropa de Elite 2 com a sua própria produtora, a Zazen. Fora isso, contudo, só se faz e se exibe filme nesse país com o apoio do governo...

Cineasta brasileiro é dependente.

“Aqui no Brasil só se faz filme com o apoio do governo”. Posso dizer seguramente que essa foi a primeira lição que aprendi no meu curso de Audiovisual na Universidade de Brasília. Essa frase já virou mantra, repetido por professores, colegas, palestrantes, até entranhar. A equação é simples: cinema é negócio + filme custa caro + cinema brasileiro não dá dinheiro = ninguém quer investir. Sobra para o governo, essa grande Mãe de todos nós, estender seus braços misericordiosos e dispensar uma mesadinha pro filho cineasta, aquele que não escolheu tão bem a carreira como o filho dotor ou o filho adevogado, mas que afinal, é filho também.

O governo abre editais para o financiamento de produções, para a finalização, faz leis que obrigam os exibidores a apresentarem um número x de filmes brasileiros, entre outras medidas. Ainda assim, captar recursos para um filme não é fácil. É preciso um bom projeto e muita paciência para visitar mais de 70 empresas pedindo apoio. É este o testemunho dos cineastas com quem tenho convivido.

Filme brasileiro é gênero.

Numa conversa social em um evento social qualquer, uma garota comentou isso comigo: “filme brasileiro virou gênero”. O sujeito vai ao cinema com o amigo. “O que está passando?”. O outro explica: “tem esse aqui que é de ação, aquele outro que é romance e mais um tal que é filme brasileiro”. O tipo de filme é “filme brasileiro”. Taxado e julgado na porta do cinema pela nacionalidade. Vítima de xenofobia em seu próprio território.

Sei que é demais querer que de uma hora para a outra a coisa mude para “esse é de ação, aquele de romance e o outro lá é filme americano”, mas quem sabe um dia?

Filme brasileiro é ruim

Mentira. Mentira. Mentira. Que o cinema brasileiro está se recuperando de um período de baixa fertilidade, isso é certo, mas o país nunca deixou de ter sua parcela de bons frutos – que estão cada vez mais abundantes. O cinema brasileiro tem produzido grandes obras e a tendência é crescer. Precisa, contudo, receber mais apoio por parte de sua população. E por apoio não me refiro a aplaudir qualquer porcaria que venha pela frente só por ser nacional, mas ter o senso crítico para saber separar o que é bom do que não é, reconhecendo e aplaudindo o que for bom. Para saber, contudo, é preciso assistir ao máximo de produções, vindas de todas as partes do país, tendo ou não atores e diretores famosos. Assistir para formar opinião.

O Brasil tem poucas salas.

Poucas, caras e concentradas nas grandes cidades. E essas poucas salas ainda reservam metade de seu espaço para Amanhecer... Pois é. O cinema brasileiro não dá dinheiro porque o público não vai assistir, o público não vai assistir porque as opções são poucas. É um ciclo vicioso que está sendo quebrado. A passo de tartaruga, mas está.

A presença da Globo Filmes, dos poucos filmes que conseguem se lançar de forma independente e daqueles que contam com a mãozinha do governo está aproximando a produção do público. O caminho até que a procura se torne suficiente para que os filmes brasileiros sejam economicamente lucrativos e conquistem a maioria na programação é longo, mas possível de ser trilhado.

Quer tirar salas de Amanhecer? Vem pro fight!

E de volta a Amanhecer.

Cinema é negócio, requer investimento, e os grandes estúdios americanos tem condições de investir. As produtoras brasileiras, salvo algumas exceções, não tem. As empresas que dão apoio só se interessam em investir o mínimo para obterem vantagens fiscais. Na hora da exibição, o público não procura os filmes nacionais, vai atrás dos importados com altíssimos valores de produção e com propaganda maciça. Os distribuidores e exibidores querem ganhar dinheiro, logo, veiculam o que o público procura. Este é, de forma simplificada, o ciclo que temos vivenciado.

O que a invasão de Amanhecer nos cinemas mostra é um exagero de proporções monstruosas da política de ganhar dinheiro exibindo uma superprodução. Ocupar metade das salas de um país com um único filme é mais do que a ganância dos estúdios, produtores e exibidores em conseguir uma grande bilheteria, é enfiar um filme goela abaixo de uma nação inteira. Sim, Crepúsculo tem muitos fãs, mas nem tantos assim que precisem de 30 opções de horários diferentes para conseguir uma oportunidade de assisti-lo - isso somente em um dos cinemas de Brasília, para dar um exemplo.

Por mais que cinema seja um negócio e que vise o lucro, falta aos distribuidores e exibidores um mínimo de bom senso. Para se ter uma idéia, o filme mais bem sucedido de Crepúsculo até agora (Lua Nova) arrecadou menos do que o filme mais mal sucedido de Harry Potter (O Prizioneiro de Azkaban). (Isso em escala global, pois me faltam dados para uma comparação nacional). Nem mesmo os fãs de Harry Potter precisaram de tantas salas para saciar sua sede pela série e para render um bom lucro, então será que Crepúsculo precisa mesmo de tanto espaço, ou se estão, como já disse, enfiando o filme goela abaixo do público?

A discussão dos problemas que o cinema brasileiro enfrenta não surgiu hoje nem vai acabar tão cedo. A situação que estamos presenciando agora, entretanto, faz mais do que inflamar o debate: joga gasolina em indignações há muito acumuladas. Indignações recheadas de bons motivos e razões, diga-se de passagem.

Branca de Neve de volta à telona. Em dose dupla

2011 está chegando ao fim, e os anúncios de estréias do ano seguinte já estão surgindo. Entre elas, duas produções que revivem - e revisam - a fábula da bela princesa de pele alva, lábios vermelhos e cabelos escuros como a noite. Coincidência? Não dá pra saber.

Em ambos os filmes há uma rainha má, bela e invejosa, e Branca de Neve torna-se uma guerreira rebelde que se esconde na floresta para lutar contra o regime opressor de sua antagonista. As semelhanças, contudo, param por aí.

Apesar de serem os dois voltados para um público mais jovem, Mirror Mirror é claramente infantil, enquanto Snow White and the Huntsman (nenhum deles teve seu título oficialmente traduzido para português ainda) pega um público entre adolescentes e jovens adultos.

Mirror Mirror.

Com estréia marcada para 16 de Março nos Estados Unidos, traz um tom mais infantil, colorido e cômico à aventura. Julia Roberts interpreta comicamente a rainha má, mas a impressão que o trailer deixa é que o filme não terá nada de tão engraçado assim. Se no trailer, que comumente reúne as melhores partes do filme para chamar a atenção, o melhor que conseguiram foi um anão mandando um “Snow White? Snow way!”... não tem nem como completar a frase.

Snow White and the Huntsman.

Deixando Bella Swan um pouco de lado, Kirsten Stewart interpreta uma Branca de Neve guerreira como a de Mirror Mirror, mas longe da comédia. Mesmo apresentando elementos de fantasia como o corvo que se transforma em centenas, o soldado que se desfaz em milhares de pedacinhos negros e, é claro, o espelho falante, a produção aspira ao épico. Se chegará lá ou não, isso é outra história.

O filme tem estréia marcada para 1° de Junho nos Estados Unidos, mirando a summer season americana, e parece ter condições de fazer uma boa bilheteria.

A nova pele de Almodóvar.

O que se tem comentando amplamente a partir de A pele que habito (La piel que habito) é que Almodóvar tem se parecido cada vez menos com Almodóvar. E isso não é bom nem ruim, apenas diferente.

Pipocam por aí comentários de que o cineasta “amadureceu”. Ora, ele já não estava maduro ao filmar Fale com ela, Tudo sobre minha mãe e Volver? Com certeza que estava. Esse “novo Almodóvar” que os críticos têm anunciado trata-se apenas de uma nova faceta que o diretor começou a explorar com Abraços partidos. E que faceta!

As tramas mirabolantes e o exagero, que levam o enredo ao limite do verossímil, ainda estão lá. A diferença maior está no uso das cores (menos vermelho, ah, muito menos) e no tom do filme, deixando o melodrama para entrar no drama (com suspense, no caso de A pele).

Antonio Banderas e Elena Anaya em cena de A pele que habito.

Um famoso cirurgião plástico (Antonio Banderas) mantém presa em sua mansão uma paciente belíssima (Elena Anaya), com a cumplicidade de sua governanta (Marisa Paredes). Apesar de bizarra, a situação parece estar em equilíbrio, até que um sujeito vestindo uma esdrúxula fantasia de tigre (Roberto Álamo) lhes faz uma visita. A fantasia de tigre e os trejeitos do homem que a porta destoam do restante da concepção de direção de arte do filme. É como se Pepe, Luci, Bom visitasse Abraços Partidos, como se um toque do “velho Almodóvar” fizesse uma ponta no filme do “novo Almodóvar”.

A visita do homem-tigre desencadeia uma série de flashbacks que contam as tragédias pessoais do Dr. Robert (Banderas), como a perda da esposa e da filha. As pontas soltas vão se interligando até um desfecho surpreendente.

Almodóvar sabe compor enquadramentos maravilhosos, e as imagens que cria em A pele que habito são simplesmente magníficas. Essa habilidade visual aliada a um roteiro que cutuca o espectador, propondo-lhe questionamentos sobre a essência humana, tem como resultado um filme belíssimo tanto na forma quanto no conteúdo.

12° Projeta Brasil no Cinemark.

Nesta segunda-feira, dia 07 de Novembro, o Cinemark abre suas portas ao cinema brasileiro. Diversos filmes serão apresentados sob o preço único de dois reais. A renda será revertida para festivais e prêmios.

A programação vai de filmes que já saíram de cartaz, como Bruna Surfistinha, a filmes que há pouco entraram no circuito, como O Palhaço. Sem dúvida, uma bela iniciativa de divulgar e valorizar a produção nacional.

Mais detalhes em: http://cinemark.com.br/projeta-brasil

Exercine no Tumblr

Para diversificar o conteúdo do blog e agradar aos adeptos do tumblr, agora o Exercine também está aqui: http://exercine.tumblr.com/

Sigam-nos!

Finalmente, Melancolia.

Depois de muita indignação com circuito comercial brasiliense e de uma tentativa frustrada de assistir ao filme em Porto Alegre, um cavaleiro branco chamado CCBB surgiu e me permitiu assistir a Melancolia, filme mais recente de Lars Von Trier, no Cine Brasília. A mostra CCBB em Cartaz traz a Brasília filmes inéditos, de graça, até o dia 30 de outubro. (programação aqui)

Abertura do filme mostra o planeta Terra flutuando no espaço, pequeno diante de um planeta dez vezes maior que se aproxima. A lenta dança dos astros no espaço se reflete na Terra, onde as personagens do filme são mostradas em seus momentos finais, retratadas de forma belíssima por meio de uma câmera ultra lenta.

Após essa introdução, a primeira parte do filme começa, focada em Justine (Kirsten Dunts), no dia de seu casamento. A noiva, a princípio alegre, entrega-se a uma tristeza que se intensifica ao longo da noite. A festa não a atrai, os esforços dos parentes e do noivo para mantê-la presente e feliz são inúteis. No começo, as fugas de Justine da festa parecem simples distração, depois, parecem propositais. Na segunda parte do filme, Justine revela-se depressiva, e sua atitude esquiva em relação à realidade torna-se uma pesada entrega ao abismo da melancolia.

O casamento de Justine (Kirsten Dunst). O dia mais feliz da vida?

Claire (Charlotte Gainsbourg) é a irmã mais velha de Justine. Devotada à organização e aos rituais da sociedade, é ela quem literalmente carrega Justine quando esta se afunda em sua depressão. Claire, contudo, não compreende como a irmã pode ficar em tal estado, apesar de nunca criticá-la abertamente (a exceção de dois momentos em que diz que às vezes a odeia).

Essa dinâmica reflete o que muitas vezes ocorre na realidade. A depressão é uma doença séria, que leva as pessoas a diversas reações físicas e psicológicas, como uma sensação de tristeza profunda, lentidão, fadiga, além de alterações na capacidade cognitiva, no apetite e no sono. Os que convivem com as vítimas dessa doença tem dificuldade em entender como alguém pode ficar tão triste por tanto tempo, mas a depressão é diferente da tristeza comum, que todas as pessoas sentem de vez em quando. Não é tolice, não é fraqueza, é uma doença que demanda tratamento específico.

Von Trier amplia a situação interna da depressão a uma metáfora de tamanho colossal. No filme, Melancholia é um planeta gigante (pelo menos 5 vezes maior do que a Terra, segundo as imagens mostradas), que está em rota de colisão com a Terra. John (Kiefer Sutherland), marido de Claire, é um aristocrata milionário que passa seus dias observando estrelas e “estudando coisas”, um personagem que me lembrou muito Thomas Edison Jr. (Paul Bettany) em Dogville. John insiste que Malancholia vai apenas passar ao lado da Terra, assim como “todos os cientistas sérios” também prevêem.

John (Kiefer Sutherland), o aristocrata que se refugia na ciência e se esquiva do que está a sua frente.

John representa o ceticismo. Ele também não consegue entender a depressão de Justine, agindo como se aquilo tudo fosse uma grande besteira, um sinal de fraqueza. Durante o casamento, ele afirma que a festa custou-lhe “os olhos da cara”, mas diz não se importar contanto que Justine prometa ser feliz. John é uma pessoa prática, que se agarra à ciência mas se recusa a aceitar o inevitável que se coloca diante dele: tanto a doença da cunhada, quanto um planeta gigante que se aproxima do seu próprio. Ele ri quando Justine telefona para a irmã alegando que não consegue entrar no táxi para sair de casa, assim como ri da esposa, que acredita nas previsões de que Melancholia não vai apenas passar por perto e se afastar.

Claire é a representação da bondade e da piedade. É uma pessoa “normal” (por normal entenda-se não doente) que vê um ente querido piorar constantemente e faz o que está ao seu alcance para ajudar. Ela frustra-se quando seus esforços se provam, a seu ver, em vão. Justine, primeiro, não consegue entrar no banho, mesmo com ajuda, mas no dia seguinte o faz por conta própria. Quando Claire cozinha o prato favorito da irmã, escuta desta que a comida tem gosto de cinzas. No dia seguinte, Claire encontra Justine devorando uma caixa de bombons inteira. Essas alterações de humor irritam Claire, que enxerga em Justine uma pessoa egoísta, ainda que lute contra seus sentimentos negativos em relação à irmã.

As irmãs Claire e Justine: a busca pelo equilíbrio antes que o mundo acabe.

Por fim, Melancholia, o gigantesco planeta azul, representa a própria depressão. Melancholia é a força avassaladora e inevitável que primeiro arrasta consigo o ar, e depois destrói tudo. E a situação das pessoas na Terra, esperando impotentes pelo fim, é a situação de Justine.

Os recursos característicos da linguagem cinematográfica de Lars Von Trier estão todos lá, aliados à tecnologia da câmera lenta e dos efeitos especiais utilizados para criar o fictício planeta gigante. Apesar de ser um filme belíssimo, que abre espaço a muitas reflexões, diferentemente de outros filmes do cineasta, Melancolia não me atingiu como um soco na boca do estômago. Mesmo mostrando, como bem disse Pablo Villaça, que os sofrimentos humanos são inúteis diante da inevitabilidade do fim, o diretor termina o filme de forma positiva. Um filme que, devido a várias cenas da sequencia do casamento, é engraçado, e que termina com uma mensagem de amor mostra, sem duvida, uma faceta diferente de Lars Von Trier.

O vazio de setembro e um pouco de propaganda.

28 de Setembro e o blog até agora sem posts novos. Em parte por falta de tempo, e em parte porque Vidas Cruzadas (The Help) não entrou em cartaz para me fazer arranjar um tempinho. Poderia muito bem falar sobre o Rock in Rio, mas não entendo de música e o assunto já está sendo tão comentado que, vamos combinar, até pra quem foi e curtiu já deu.

O Festival de Brasília tá rolando desde o dia 26. E adivinhem quem não vai ter tempo pra ir? Pois é. Mas vale a pena dar uma passada lá para fugir do circuito comercial e ver o que o pessoal anda produzindo, principalmente os curtas brasilienses na Mostra Brasília. Ano passado tinha muita coisa ruim, mas também tinha muita coisa boa. Esse ano não deve ser diferente.

Fazendo um pouco de marketing pessoal: dia 02 de outubro, domingo, no Museu Nacional da República (o ovão da esplanda), vai passar Meu amigo, Meu avô, curta de Renan Montenegro em que trabalhei como assistente de produção. Também no dia 02, temos A arte de andar pelas ruas de Brasília, que estou morrendo de curiosidade de assistir. Outro curta produzido pelos alunos da unb, meus caros colegas, é Abracadabra, que vai passar no dia 01.

Veja programação completa do festival aqui.

O relançamento de um clássico.

Há muitas coisas que me lembro do ano de 1994. Apesar de ter apenas 4 anos de idade, me lembro de acontecimentos marcantes como a morte de Airton Senna e a conquista do tetracampeonato mundial pela seleção brasileira de futebol. Lembro-me também do primeiro filme que assisti em uma sala de cinema: O Rei Leão. Dezessete anos depois, a Disney relança essa mágica animação em uma versão 3D nas salas de todo o país.

O filme é o mesmo, com a mesmíssima dublagem original, o que é muito bom - afinal, quem não ama a voz maldosa de Scar, dublado por Jorgeh Ramos, ou a força e a imponência que Paulo Flores traz à Mufasa? Em resumo, fora os efeitos 3D, a Disney não inventou mais nada. Na verdade, o relançamento desse clássico foi, a meu ver, muito mal trabalhado pela empresa.

Primeiro, esperar por 2014 para lançar uma edição comemorativa dos 20 anos, com cenas extras (pós-créditos mesmo, pois o filme em si pode acabar prejudicado com a inclusão de planos) seria muito mais interessante comercialmente. Além disso, deveria ser disponibilizada também a versão em 2D.

Estratégias de marketing à parte, O Rei Leão 3D tem levado muitos fãs crescidos ao cinema, atraídos em grande parte pela emoção de rever um de seus filmes favoritos na telona. Os efeitos de conversão do filme para três dimensões não são lá muito impressionantes, as cores reforçadas, sim, provocam um espetáculo mais interessante.



O filme é visualmente muito bonito. As cores do nascer e do pôr-do-sol são magníficas. A abertura impactante com a marcha dos animais rumo à pedra do rei, acompanhada pela música intensa continua maravilhosa mesmo após dezessete anos de sua concepção. O corte abrupto da música para a entrada do crédito de fundo negro e letras vermelhas com o título do filme é cinematograficamente muito inteligente. As músicas de Elton John são lindas e harmonizam perfeitamente com o transcorrer da trama. O Rei Leão é uma das melhores criações dos estúdios Disney, sem dúvidas.

Vale destacar a temática principal da história como grande atrativo para ir e levar as crianças ao cinema: é importante seguir em frente após uma tragédia, sem se esquecer da importância das pessoas que se foram. Simba, futuro rei leão, presencia a morte do atual rei e seu pai, Mufasa. Não consigo me lembrar de nenhum outro filme infantil recente que aborde uma situação de perda tão trágica. (Talvez a sequencia inicial de UP!, mas só). “O ciclo da vida”, explicado por Mufasa à Simba, é uma lição bonita, um modo poético de aproximar as crianças do mundo adulto e da realidade de que todos um dia se vão. E não, não é cruel mostrar aos pequenos essa realidade, não da forma como aparece no filme. Trata-se de ensinar-los a amadurecer e de acreditar que eles são seres inteligentes com capacidade para absorver tramas muito mais complexas do que apenas piadas bobas ou gags visuais.

Seguindo o famoso slogan hollywoodiano, O Rei Leão é um “filme para toda a família”, mesmo. Incluindo-se fãs crescidos, pais e crianças que vão conhecê-lo pela primeira vez.

O ano de Emma Stone

Com apenas 23 anos, Emma Stone é uma das atrizes mais quentes do momento. Após subir aos poucos com vários trabalhos para a televisão, ela estreou na telona com a comédia Superbad (2007) e ganhou destaque com A mentira (Easy A, em 2010), outra comédia. Agora, Emma consolida-se de vez em 2011.

Após ser indicada ao Globo de Ouro de melhor atriz de filme musical ou comédia (A Mentira), ela arrebatou a capa da edição de Julho da Elle americana, mostrando seu novo visual de cabelos louros para o novo filme da franquia Homem Aranha, que estréia em 2012. Na refilmagem da história de Peter Parker, interpretado por Andrew Garfield, Emma será Gwen Stacy, a nova paixão do protagonista.

Emma na capa da Elle americana de julho.

Para Emma, contudo, 2012 ainda está longe. Ainda neste ano ela participa de nada menos do que três longas. A atriz pode ser vista em Amor à toda prova (Crazy, stupid, Love), que chegou aos cinemas brasileiros hoje, e em Amizade Colorida (Friends with Benefits), que virá lá pelo dia 30 de setembro. Apesar de aplaudida por seu timing para a comédia, o filme mais interessante do ano com sua participação talvez seja Vidas Cruzadas (The Help), drama baseado no bestseller da americana Kathryn Stockett.

Um ano movimentado para Emma, que teve que renunciar à oferta de participar de Sucker Punch por questões de agenda – ou seja, excesso de solicitações. Se seu trabalho continuar com a solidez que vem apresentando, tudo indica que os próximos anos serão tão agitados para ela quanto 2011.


Vidas Cruzadas (The Help)

Situado em Jackson, Mississipi, nos anos 1960, trata do racismo americano contra negros, enfocando as relações entre mulheres de diferentes classes sociais e cores de pele. Eugenia ‘Skeeter’ Phelan (Emma Stone) é uma aspirante a jornalista que decide revelar em um livro os atos de preconceitos praticados pelas senhoras brancas, sendo o mais básico deles o de não permitir que as empregadas negras utilizem os mesmos banheiros que os patrões.

Em seu segundo final de semana em cartaz nos Estados Unidos, Vidas Cruzadas atingiu o topo da lista de maiores bilheterias, superando Planeta dos Macacos: a origem. No Brasil, por enquanto, só temos o trailer, mas já é o bastante para sugerir que se trata de um filme pelo qual vale a pena esperar. A estréia está marcada para 16 de setembro.

Um convite à contemplação.

Vencedor da Palma de Ouro em Cannes, A Árvore da Vida (The Tree of Life), do cineasta Terrence Malick, era um dos filmes mais aguardados de 2011. Após passar por três anos de pós-produção, o resultado final divide opiniões. Na sala em que assisti a obra, foi fácil perceber que a maioria dos presentes não gostou, enquanto conhecidos meus relataram terem visto várias pessoas saírem da sala no meio da projeção em que compareceram. Até mesmo Sean Penn criticou o filme e o diretor, comentando sobre sua própria participação: “Eu ainda estou tentando entender o que eu estou fazendo lá.” (Em tradução livre, original em inglês aqui). A maioria dos críticos, contudo, o aplaudiu de pé.

Grande parte do descontentamento do público com A Árvore da Vida se deve ao fato de que, de um modo geral, não estamos acostumados a filmes tão contemplativos, com narrativas tão abertas e com tão poucas explicações. A idéia de ir ao cinema para pensar, sentir e refletir sobre a grandiosidade da vida não é algo comum ao dia-a-dia dos brasileiros. E a grande verdade é que encontrar filmes desse tipo nos cinemas (pelo menos aqui em Brasília) é muito difícil. É preciso que se ganhe a Palma de Ouro para entrar no circuito brasiliense, caso você não seja uma superprodução hollywoodiana, não tenha sido produzido pela Globo Filmes ou não esteja entre a cota de filmes brasileiros que o governo obriga os cinemas a exibirem. No fim, o brasileiro não enxerga o cinema como um instrumento de reflexão não por uma questão de falta de cultura, mas por uma questão de falta de opções.

Questões de distribuição e mercado à parte, o fato é que sentar em uma sala de cinema e assistir a um filme em que pelo menos 70% das cenas mostram apenas a natureza (ondas enormes e vulcões em erupção, entre outros) ao som de música instrumental acompanhada por um coral é um exercício de paciência. É um exercício de parar e admirar. De não se preocupar com enredo ou com falas, com o que faz sentido ou não. De não prestar atenção em uma “história”, mas deixar seus pensamentos fluírem ao som da música e ao ritmo das imagens.

Jack (Hunter McCracken) na infância com a mãe (Jessica Chastain)...

Malick propõem uma experiência predominantemente sensorial, com imagens de uma beleza esmagadora acompanhadas por uma música poderosa que praticamente não para de tocar. No começo, uma mulher (Jessica Chastain) recebe uma notícia por telegrama. A dor que o comunicado lhe traz a faz gritar. Um homem (Brad Pitt), recebe em seu local de trabalho um telefonema cujas palavras não podem ser ouvidas pelo espectador devido ao barulho ensurdecedor de um avião próximo, mas é possível distinguir a boca do homem formando um “What?” (“O quê?”) completamente incrédulo. Em seguida descobrimos que o homem e a mulher são um casal, e que esse casal acabou de perder um dos três filhos. Após uma breve cena com pessoas vestidas de preto, algumas consolando a mulher, ouvimos sua voz em off questionar a Deus, pedir por Ele. Imagens do cosmos se seguem.

É nesse momento que uma revisão da criação do universo, e mais especificamente da Terra, tem início. Das estrelas, vamos a um vulcão em erupção, à força dos mares e ao surgimento da vida nos oceanos. A mensagem de que a vida de um ser humano é pequena diante de tamanha grandeza torna-se perturbadoramente clara. A dor da família mutilada pela morte do filho, contudo, não deixa de ser intensa.

... e quando adulto (Sean Penn), vagando pelo mundo, ou pelas lembranças de sua vida.

Aos poucos, conhecemos um pouco melhor a história dessa família. Assistimos, um a um, aos filhos nascerem e serem imensamente amados pela mãe. Em algo que parece ser um verão eterno, os meninos crescem, entre aventuras e brincadeiras. O pai logo se revela um disciplinador rigoroso, até mesmo agressivo, mas que sofre internamente por não conseguir ser o homem importante que sempre sonhou. O sonho americano do self-made man não se realizou para ele, apesar de seus esforços. Ele procura ensinar os filhos a serem fortes, mas é um homem cheio de contradições. “Ele diz: não ponha os cotovelos na mesa. Mas ele põe.” “Ele diz: não minta. Mas ele mente.” – são apenas alguns dos exemplos percebidos pelo filho mais velho, Jack, interpretado por Hunter McCracken na infância e Sean Penn na idade adulta.

A raiva e o ressentimento que Jack sente pelo pai, que cobra muito mais do primogênito do que dos mais novos, ficam explícitos. Esses sentimentos são reforçados pelo ciúme que o garoto sente ao ver a mãe tratar com carinho e afeto – mesmo tratamento que o próprio Jack recebe, diga-se de passagem – aos irmãos. Jack fica dividido entre o amor e a doçura da mãe e a rigorosidade e brutalidade do pai. Nada disso, contudo, é exposto em grandes diálogos, ou mesmo tratado de forma linear. É tarefa do espectador juntar dois mais dois para formar quatro, situação que, ao contrário da crença popular, nem sempre gera nesse espectador a gratidão esperada. Até porque, em se tratando de A Árvore da Vida, dois mais dois podem muito bem serem cinco.

Brad Pitt dá vida aos contrastes do Sr. O'Brian: pai amoroso e brutalmente rígido ao mesmo tempo.

Cenas de Jack quando criança e quando adulto se alternam, e a participação de Sean Penn mostra um homem perdido nas reminiscencias de seu passado - se apenas por um dia ou se por vários anos, não se pode dizer. Profundamente marcado por sua infância, pelo contraste entre as personalidades de seus pais (inclusive pelas próprias contradições que o pai apresenta em si mesmo) e pela morte do irmão, ele procura alguém, que pode ser o pai, o irmão ou mesmo Deus.

A procura por Deus em meio à vida cotidiana, com suas alegrias e tristezas, seus conflitos e conciliações, traz questionamentos sobre qual seria o lugar desse Deus na vida das pessoas, e qual seria o lugar das pessoas na vida (se é que se pode chamar assim) de Deus. E apesar de a religião demonstrada no filme ser a católica, não há nenhum direcionamento para essa doutrina. Cabe a cada um questionar-se dentro de suas próprias crenças.

Terrence Malick não criou um filme difícil de entender, mas um filme com múltiplas interpretações, que faz pensar e questionar. A beleza e a força das imagens convidam o espectador à contemplação – e é isso que nem sempre agrada, mas que encanta aqueles que se dispõem a tentar.

Nada vai dar certo.

Ainda tentando superar a decepção de não encontrar Melancolia no circuito brasiliense de cinema (sem a Academia de tênis e sem o Embracine estamos mesmo perdidos) fui ao cinema. Impedida de chorar com Von Trier, resolvi rir com Hugo Carvana. Não se preocupe, nada vai dar certo é uma comédia que traz um pai e um filho atores, que viajam pelo Brasil fazendo a vida entre shows e armações.

Lalau Velasco (Gregório Duvivier) realiza um show de stand-up comedy em que o principal assunto é sua relação com o malandro ator Ramon Velasco (Tarcísio Meira), seu pai. O velho é um malandro carioca de primeira linha transplantado para o nordeste, com direito a terno branco e panamá. Ele usa seus talentos de ator para aplicar golpes e tem como bordão a máxima: “Não se preocupe, nada vai dar certo!” O maior de desejo de Ramon Velasco é voltar a atuar ao lado do filho, que por sua vez reluta em aceitar a idéia. É quando Lalau aceita fingir ser um famoso guru indiano por duas semanas que o desejo se realiza, mas na vida real e não nos palcos.

Nada vai dar certo: Tarcísio Meira e Gregório Duviver como pai e filho.

Não é uma comédia para rir do princípio ao fim. O ápice é a versão de Duviver do guru indiano Bob Savanandra, e os múltiplos papéis que Tarcísio Meira representa durante a farsa. O filme apresenta alguns problemas, como a cena totalmente descartável que mostra um Lalau criança observando o pai atuar, e a cena em que Ramon vai buscar o filho e com isso irrita Rosa (Mariana Rios), cena esta que poderia ter sido melhor trabalhada.

De um modo geral, é um filme colorido e divertido, mas que compartilha do mesmo defeito que as recentes produções com atores globais têm demonstrado: passa a estranha sensação de ser um especial de fim de ano da emissora.

Mais do mesmo. De novo.

Seguindo as tendências da Summer Season americana, estreou ontem o blockbuster Capitão América, nos cinemas de todo o país.

Essa onda de filmes de Super Heróis que começou com Spider Man em 2002, e seguiu com Batman Begins (2005) e Superman Returns (2006), já está começando a saturar. Os filmes são basicamente sempre os mesmos: um bom garoto descobre que tem (ou ganha) super-poderes e decide usá-los na luta contra o mal, vivendo seus dilemas pessoas no processo. Exceto, talvez, no caso do Batman e do Homem de Ferro, que não possuem super-poderes e não são totalmente bons meninos. Enfim, esses filmes têm toda a qualidade técnica de uma típica superprodução hollywoodiana, com efeitos especiais incríveis e lutas até a morte entre o bem e o mal, sempre com muitas explosões. Há também um romance complicado, ou impossível, que faz o herói sacrificar-se pela amada. Capitão América não foge à regra, e ainda vem com o adicional nacionalista estampado no nome e no uniforme.

Até mesmo quem não sabe nada sobre o Capitão – exatamente o meu caso – sabe pelo menos que foi um personagem criado durante a Segunda Guerra para exaltar a luta dos americanos contra o nazismo e para incentivar o patriotismo. Pela história original, logo após a guerra, o grande herói da nação é congelado, preservando-se para eventuais necessidades futuras. O filme volta à década de 1940 para mostrar como o franzino Steve Rogers (Chris Evans) tornou-se o musculoso e habilidoso Capitão América graças a uma experiência científica bem sucedida.

Capitão América, apenas mais um super-herói americano.

Após servir como garoto-propaganda do exército americano, Rogers finalmente consegue realizar seu sonho de lutar na linha de frente. Seu inimigo é Johann Schmidt (Hugo Weaving), o líder da Hidra, divisão nazista de ciência. A ambição de Schmidt por artefatos míticos remete o público imediatamente à série do arqueólogo Indiana Jones, cujos inimigos nazistas também buscavam poderes ocultos da antiguidade. Schmidt, transformado por uma experiência mal sucedida, torna-se o Caveira Vermelha, que como super-vilão sinceramente não assusta muito. Por mais que Hugo Weaving seja um ator habilidoso, é muito difícil não esperar que ele solte um “hello, mister Anderson” a qualquer momento. Infelizmente, o melhor papel que Weaving já fez foi sob uma máscara (V for Vendetta).

Peggy Carter (Hayley Atwell), par romântico de Rogers, personifica a mocinha durona e boa de briga, mas que não deixa o charme feminino de lado, que virou padrão no cinema atual. Percebe-se que ela simpatiza com o garoto frágil que quer ser um soldado, mas é quando ele se torna alto e musculoso que a tensão sexual entre os dois surge. Enquanto isso, Howard Stark (Dominic Cooper), pai de Tony Stark (aquele mesmo do Homem de Ferro), tem uma participação interessante como o gênio playboy parecidíssimo com o filho, mas com limitações tecnológicas muito maiores.

Capitão América é um filme visualmente bonito, com um roteirinho básico de bem versus mal, romance e algumas piadas. No fim, é apenas mais do mesmo. Serve como preparação para Os vingadores, a ser lançado em 2012, que vai unir Thor, Homem de Ferro, Viúva Negra, entre outros, ao Capitão. Ou seja, em 2012 tem mais filme de super-herói pela frente. Já dá pra ir imaginando o roteiro, não?

P.S.: Assim como em Homem de Ferro 2, em Capitão América também há uma cena pós-créditos, mas diferente do primeiro, no caso do segundo vale muito mais a pena esperar as letrinhas passarem para assistir.

O apaixonante cinema de Pedro Almodóvar.

Começou Terça, dia 26, no Centro Cultural Banco do Brasil de Brasília, a mostra "El Deseo: o apaixonante cinema de Pedro Almodóvar". Além de mostrar a filmografia do diretor na telona, a mostra conta com alguns dos filmes favoritos do espanhol, como Janela Indiscreta e Cinderela em Paris. Há também um documentário na programação: Tudo sobre o desejo – O apaixonante cinema de Pedro Almodóvar.



Almodóvar é conhecido por seus enredos mirabolantes, em que as coisas mais absurdas acontecem com uma normalidade tranquila. Mas não é a vida, afinal, o maior dos absurdos? Sua paleta de cores, recheada com um vermelho intenso e com muito verde, também é sua marca registrada. Suas personagens são intensas, e muitas vezes parecem saídas de um melodrama dos anos 20. Vale a pena conferir.

A mostra vai até 14 de Agosto. Confira a programação completa no site do . CCBB

Tudo termina.

A mais famosa saga cinematográfica de todos os tempos chegou ao fim. Fãs do mundo inteiro lotaram os cinemas na pré-estréia da meia-noite, uma cena que com certeza se repetirá durante todo o final-de-semana. Não há como negar que Harry Potter influenciou a toda uma geração. A fez rir, torcer, se emocionar, chorar de tristeza e de felicidade, se encantar... sonhar. Não posso negar que faço parte dessa geração que cresceu com Harry e que deve aos livros de Joanne Kathleen Rowling a vivência de belos e inesquecíveis momentos.

Sim, tenho várias ressalvas em relação a Relíquais da Morte parte II como fã, sendo a principal delas a duração curta do filme, mas prometo deixar as reclamações de fã de lado, já que este texto é, afinal, sobre cinema. Relíquias da Morte parte I já havia trazido à saga elementos cinematográficos muito mais sofisticados do que a rigidez hollywoodiana dos primeiros filmes, e isso é algo que a parte II não apenas continua, mas amplifica e intensifica – e nisso consiste seu grande mérito.

Harry, Rony e Hermione enfrentam sua última e mais difícil batalha.

O filme começa exatamente no ponto em que o anterior termina: Voldemort (Ralph Fiennes), tendo violado o túmulo de Dumbledore (Michael Gambon), apodera-se da Varinha das Varinhas, enquanto Harry (Daniel Hadcliffe) enterra Dobby (Toby Jones) nas proximidades do Chalé das Conchas. Quem esperava um flashback para dar uma refrescada na memória ficou desapontado. Essa, inclusive, é uma característica dos filmes da saga dirigidos por David Yates: ele não perde tempo com muitas explicações, o que me faz pensar que a parcela do público que não conhece os livros talvez não entenda tudo. Após se despedir de Dobby, Harry parte com Rony (Rupert Grint) e Hermione (Emma Watson) para o banco bruxo Gringotes, em busca de mais uma horcrux.

Hermione se transfigura em Bellatriz Lestrange, cena em que Helena Bonha Carter arranca risadas como a Hermione delicada e educada tentando agir como a bruxa arrogante e má que é Bellatriz. Após enfrentarem um tesouro que se multiplica, um dragão e uma dúzia de guardas, – que apesar dos costumes bruxos de usar capas, vestem-se com estranhos uniformes azuis de guardas de museu - Harry e seus amigos fogem montados no já mencionado dragão. Assim que pousam, eles decidem ir a Hogwarts.

Para não entrar em muitos detalhes sobre o enredo, Voldemort organiza um ataque à escola e logo os preparativos para a batalha começam. Aqui, o único comentário de fã que farei (juro): não achei compatível com a personagem da professora Minerva Mcgonagall (Maggie Smith) mandar os alunos da Sonserina para às masmorras na eminência de um ataque ao castelo. McGonagall, tanto nos livros quanto nos filmes, sempre colocou o bem-estar dos alunos em primeiro lugar, fossem quem fossem. Nesse ponto do filme, uma frase que comandasse os menores de idade a saírem em segurança e os maiores a escolher: sair, ou ficar e lutar, seria ao mesmo tempo mais adequada a personagem e seria um melhor indicativo do começo dos preparativos para a batalha.

McGonagall reforça as proteções de Hogwarts.

O exército de Voldemort se alinha em frente aos portões, e é imenso. Os defensores de Hogwarts são poucos, mas dedicados – e isso é o que conta mais, como destaca Arthur Weasley (Mark Williams). A batalha toma quase todo o tempo do filme, e os intervalos em meio à ação são tristes, marcados pela morte de personagens queridos e grandes descobertas por parte de Harry.

Relíquias da Morte parte II segue o tom sombrio da primeira parte. A fotografia é escura e os ambientes cinzentos. O 3D foi feito a partir da versão original em 2D, o que apresenta vantagens e desvantagens. A vantagem é que, não sendo um filme feito especialmente para ser exibido em 3D (além de ter sido pensado por um diretor maduro), não há efeitos de coisas saltando da tela em direção ao espectador a todo o tempo. A desvantagem é que o 3D escurece ainda mais a fotografia e gera o desconforto visual de “perder” as laterais da imagem, já bem conhecido do público que assiste a filmes com essa tecnologia. O grande mérito do diretor, David Yates, é inovar nos ângulos e movimentos de câmera. O plano detalhe dos olhos de Neville (Matthew Lewis) que vem logo após um plano médio de Hermione é particularmente interessante.

Harry enfrenta Voldemort pela última vez.

A leveza dos primeiros filmes é apagada de vez. A magia do desfecho de Harry Potter é escura e cruel, mas nunca sem esperança. Yates, contudo, imprime na tela imagens belíssimas, mesmo quando sombrias. O diretor transformou o que era uma bonita história infantil em A pedra filosofal em Cinema. Um êxito memorável, independente de qualquer chiação por parte dos fãs.

Não se pode falar de Relíquias da Morte parte II, contudo, sem dar o devido destaque ao personagem Severus Snape e a brilhante atuação de Alan Rickman. É ponto comum entre os críticos de cinema, tendo lido o livro ou não, que Snape revela-se como o personagem mais complexo de toda a série nesse último longa. Sim, Snape é isso e muito mais: é o personagem sem o qual nada teria sido possível, é o personagem que revela o cerne da história de Rowling: o amor como a força mais poderosa que existe. Mesmo antes de a verdade ser revelada, Rickman dá pistas da verdadeira natureza de Snape em sua atuação. Sua relutância em pedir aos alunos que entreguem Harry e seu receio de machucar McGonagall ao duelar com ela são indícios explícitos, apesar de sutis. Um paradoxo que o talento de Rickman torna possível.

Alan Rickman como Snape: o personagem mais surpreendente da série se revela.


Dez anos depois, a saga chega ao fim. Mais do que uma adaptação de oportunidade para atingir altos índices de bilheteria, porém, Harry Potter firmou-se como uma gigantesca realização cinematográfica. Uma história redonda, com personagens ricos e complexos, dentro de um universo cheio de detalhes e situações mirabolantes, mas verossímil, realizado sob as diferentes visões de quatro diretores e com os melhores recursos técnicos disponíveis. É esse conjunto, e não apenas o fervor dos fãs, que vai garantir que a história do menino que sobreviveu viva ainda por muitas décadas mais.

Ah, Paris!

Eu sei que estou super atrasada, mas meu tempo para ir ao cinema tem sido tanto quanto o que tenho para fazer compras na galeria Lafayette, então...


Não conheço muito o trabalho de Woody Allen. Adorei Vicky, Cristina, Barcelona, mas ainda tenho que voltar à Annie Hall, que larguei pela metade quando os diálogos começaram a me cansar. Apesar disso, Meia-noite em Paris, mesmo ciente de todos os elogios recebidos em Cannes, me surpreendeu: é muito melhor do que eu imaginava.

Após uma longa sequência de imagens de Paris ao som de uma música instrumental que quase me fez deitar e dormir, o filme realmente começou e só que eu conseguia pensar era como aquele figurino de chemise com cinto caído deixava a Rachel McAdams gorda. Como sempre, o forte de Woody Allen são os diálogos, e o filme já começa massacrando o espectador com toneladas dele.

Gil (Owen Wison) com a noiva Inez (Rachel McAdams): um par nada perfeito.

A história fica mais interessante quando Paul (Michael Sheen), o amigo pedante de Inez aparece. À essa altura, sabemos que Inez (Rachel McAdams) é noiva de Gil (Owen Wilson), um roteirista de Hollywood e candidato a romancista, que vê Paris e a literatura com olhos românticos e despretensiosos. Enquanto Gil gostaria de ter vivido na Paris dos anos 1920, a ambição de Inez é uma vida moderna e prática em Malibu. Paul, por quem Inez admite ter tido uma “queda” nos tempos de faculdade, é um pseudo-intelectual que pensa ser seu dever dar verdadeiras palestras sobre tudo o que encontra, chegando inclusive a discutir com uma guia turística (Carla Bruni). Inez logo passa a aceitar a todos os convites de Paul, por quem Gil tem clara aversão, deixando o noivo sozinho para vagar pelas ruas de Paris. É justamente durante seu primeiro passeio noturno que o inusitado acontece.

Após ouvir um relógio badalar meia-noite, Gil vê um carro antigo se aproximar. Os ocupantes do carro o convidam a entrar e o levam a uma festa dos anos 1920. Lá, ele conhece Zelda e Scott Fitzgerald, e vê Cole Porter tocar ao piano. Ao ser levado a um bar onde conhece Ernest Hemingway, Gil percebe que está nos anos 20. Nas noites seguintes ele conhece Gertrude Stein, Pablo Picasso, Luis Buñuel e Man Ray. Conhece Também Adriana (Marion Cotillard), amante de Picasso por quem Gil se apaixona.


Gil divide-se entre o presente que vive durante o dia, tempo em que ele presencia sua noiva agindo como a patricinha egoísta e mimada que é, inclusive desprezando-o: “escute ao Paul, Gil, você talvez aprenda alguma coisa”; e o charme da Paris dos anos 20, pela qual ele passeia todas as noites, na companhia dos artistas mais proeminentes da época. Atraído pelo jeito doce e romântico de Adriana, e cego para a verdadeira personalidade de Inez, Gil fica indeciso. É somente quando ele volta mais ainda no tempo – para 1890 – com Adriana, que ele percebe o que tem que fazer.

Adriana (Marion Cotillard) caminha com Gil (Owen Wilson) pelas ruas da mágica Paris após a meia-noite.


Allen não explica em parte alguma do filme como essa “viagem no tempo” é possível, o que somente a torna mais interessante. No começo, o expectador fica em dúvida se Gil não estaria imaginando coisas, mas depois aceita-se que Gil visita os anos 20 porque sim, ponto. Qualquer tentativa de explicação apenas prejudicaria o filme.

Woody Allen não investe em planos incomuns ou movimentos de câmera mirabolantes. Em seus filmes, tudo gira em torno do diálogo, deixando os planos e movimentos bastante convencionais. Cabe à fotografia e à direção de arte tornar os quadros bonitos. A luz torna Paris ainda mais encantadora durante o dia, e mais glamorosa à noite. À recriação dos anos 1920 nos cenários e figurinos é primorosa.

Michael Sheen está ótimo como o pedante Paul, enquanto Rachel McAdams é bem sucedida em angariar a antipatia do público como a noiva chata. Marion Cotillard coloca toda a sua leveza e todo o romantismo de seus olhos à serviço de sua personagem sonhadora. Owen Wilson, por sua vez, parece imitar a atuação do diretor, Woody Allen, tanto no gestual quanto no modo de pronunciar as palavras. O que, a meu ver, não é algo necessariamente ruim, mas que talvez incomode a alguns Allen-maniácos.

Por fim, o filme que começou como uma ode à Paris estabelece sua temática como sendo um sentimento comum ao ser humano: o de que seríamos mais felizes em outra época. O presente, porém, é tudo o que temos, e o segredo da felicidade é fazer o melhor com o tempo que nos cabe. O romantismo, o glamour, também podem ser vistos no presente, basta a vontade de enxergar.

Fotos de O Hobbit caem na rede.

Foram divulgadas na internet as primeias fotos da produção O Hobbit, baseado no livro homônimo de J. R. R. Tolkien e dirigido por Peter Jackson. A história será dividida em duas partes, sendo que a primeira delas tem lançamento previsto para dezembro de 2012, mas as imagens divulgadas ontem vão deixando os fãs com água na boca desde já.



Martin Freeman como Bilbo Bolseiro.




fonte: http://www.totalfilm.com/

Em DVD - Minha terra África

Minha terra África (White Material) é um filme francês dirigido por Claire Denis. Dramático e intenso, retrata a luta de Maria Vial (Isabelle Huppert), mulher francesa branca, para permanecer em sua fazenda de café enquanto uma guerra civil estoura no país e toda a sua realidade entra em colapso.

No começo, encontramos Maria caminhando por uma estrada de terra tentando voltar para casa, uma fazenda de café em um país africano que permanece sem identificação até o final. O filme é construído por uma série de flashbacks que contam a história de como a protagonista acabou nessa situação. A câmera na mão é muito utilizada, principalmente no início, em que o desespero de Maria por voltar a sua fazenda, a fuga de um grupo de rebeldes ante à aproximação do exército e a cena de um homem sufocando dentro de uma casa em chamas se alternam.

White Material: a luta contra a aceitação do fim.

No começo do flashback, Maria se depara com a deserção em massa dos trabalhadores de sua fazenda. A situação da região é muito perigosa devido às lutas dos rebeldes contra o exército. Como a colheita ainda não foi realizada, ela insiste em contratar novos trabalhadores. Seu ex-marido, que administra a fazenda junto com ela, faz preparativos para ir embora contra a sua vontade. Enquanto isso, ela tem de lidar com o sogro doente e com o filho problemático.

A insistência de Maria em manter a fazenda quando a situação evidentemente vai de mal a pior é angustiante. No início, ela parece imune ao que está acontecendo à sua volta e suas atitudes indicam que ela está em um processo de negação. Seu casamento não deu certo e seu filho só sai da cama pouco antes de se tornar um homem perigoso, violento e aliado aos rebeldes. A fazenda, então, é tudo o que lhe resta para manter um mínimo de normalidade em sua vida e ela custa a aceitar que isto também está perdido.

A guerra civil, os conflitos étnicos e a situação dos países africanos são temas mais do que secundários. O filme é essencialmente a história de uma mulher lutando contra o fim de um projeto de vida. E nada mais.